Christine und die Königinnen über „Paranoia, Engel, wahre Liebe“

Jun 14, 2023

Vor kurzem begann Chris – auch bekannt als Christine and the Queens oder Redcar oder Red – mit Engeln zu sprechen. Für den 34-jährigen französischen Sänger waren es ein paar schwierige Jahre: Er verlor seine geliebte Mutter, durchlebte eine Trennung, übernahm in einem äußerst transphoben Moment der Geschichte offiziell die Pronomen „he/him“ und veröffentlichte ein exzentrisches Konzeptalbum (2022). Redcar les gorgeouss ètoiles), der nach eigenen Angaben Fans und Kritiker gleichermaßen verblüffte. Das Anrufen von Geistern war eine Möglichkeit, durch Trauer Weisheit und Führung zu erlangen, und die Praxis diente schließlich als Inspiration für sein neuestes Projekt „Paranoia, Angels, True Love“.

Chris‘ Musik war schon immer avantgardistisch geprägt, entzog sich einer einfachen Kategorisierung und verschob die Grenzen des Pop. Mit „Chaleur Humaine“ aus dem Jahr 2014, einem glänzenden Debüt, das ihn in seinem Heimatland zum Star machte, sang er davon, „ihren eigenen Schritt zu ziehen, allein“ und „vor Methusalem zu sterben“; Beim selbstbewussten, sinnlichen Chris aus dem Jahr 2018 grübelte er frech darüber, dass er sich nicht „wie eine Freundin fühlen“ würde, sondern „verdammt, ich wäre dein Liebhaber“; und seine EP „La Vita Nuova“ aus der Pandemie-Ära grub sich in tiefe Traurigkeit und enthielt einen begleitenden Kurzfilm, in dem er sich in einen verführerischen Vampir verwandelt. „Paranoia, Angels, True Love“ (erscheint am 9. Juni) ist ebenso ehrgeizig. Das Album basiert lose auf Tony Kushners Opus „Angels in America“ aus dem Jahr 1991, in dem es um schwule Männer geht, die inmitten der AIDS-Epidemie ihre eigenen Engelsvisionen manifestieren, und strotzt nur so vor frischen, berauschenden Ideen und Widersprüchen sowohl klanglicher als auch philosophischer Natur.

Als Chris ein paar Wochen vor der Veröffentlichung aus Paris mit mir auf Zoom hüpft, erzählt er mir, dass er sich besonders mit Prior Walter identifiziert, einem von Kushners Protagonisten, der sich direkt mit einem Engel auseinandersetzt – und schließlich mit ihm ringt –, der versucht, ihn dazu zu bringen, alles aufzuhalten irdischer Fortschritt. „Ich mag seine Extravaganz“, sagt Chris, der während unseres Gesprächs abwechselnd albern ausdrucksstark und nachdenklich ist. „Ich denke, er hat so großartigen Humor und so strahlenden Zorn. Sein Schrecken und seine Emotionen haben etwas sehr Würdevolles. Er hat eine köstlich menschliche Struktur. Und er wurde in die höhere Dimension eingeführt – ich glaube, ich habe dieses Schicksal auf mich selbst heraufbeschworen.“

In dieser Dimension leben Paranoia, Engel und wahre Liebe. Die 20-Track-LP ist hyperpersönlich, aber rätselhaft, spirituell gesinnt, aber extrem geil, außerirdisch, aber geerdet. Es geht um Trauer und Sex und Angst und Hoffnung und um Madonna, die auf mehreren Titeln im Voice-Over als allmächtige, an Engel erinnernde Präsenz namens Big Eye auftaucht. Das Ganze ist kraftvoll und poetisch-diskursiv – und ähnlich wie bei den siebeneinhalbstündigen „Angels“ wird man, wenn man geduldig ist, mit tiefer Katharsis belohnt.

Ich habe mit Chris darüber gesprochen, wie er während seiner Trauer auftrat, sein neues Album in einem Spukhaus in Los Angeles aufnahm und warum er sich wohler fühlte, wenn er Rage auf Englisch singt.

„Angels in America“ ist mein Lieblingsstück aller Zeiten und ich war begeistert zu lesen, dass es Ihre Hauptinspiration dafür war. Wann hast du es zum ersten Mal gesehen? Jedes Mal, wenn ich arbeite, passiert etwas Allumfassendes, bei dem das Leben mich einfach in eine Richtung treibt und mich inspiriert. Ich kannte das Stück, als ich jünger war, weil ich mit dem Theater angefangen habe; Ich wollte Theaterregisseur werden, deshalb war ich von Theaterstücken besessen, und dieses fiel mir aufgrund des Drehbuchs wirklich ins Auge. Es war sehr Jean Genet, dieser französische Schriftsteller, den ich liebe, und sehr Shakespeare. Die Dramaturgie hat mich beeindruckt. Und als ich während des Lockdowns die HBO-Adaption von Mike Nichols sah, lernte ich wieder die geniale Idee kennen, dass Engel als Präsenz umarmt werden, die große Geste dessen, was es bedeutet, wenn ein Engel auftaucht und Ihr Leben stört – sie sind furchterregend und brutal.

Was ich jedoch genial finde, ist das Happy End des Stücks. Wir wissen, dass Prior dem Untergang geweiht ist – Männer, die in den 80er und 90er Jahren an AIDS starben, sind in der kollektiven Vorstellung dem Untergang geweiht. Ich dachte, der große Trost sei, sich für ein Happy End zu entscheiden. Unterbewusst habe ich dieses Stück ausgewählt, weil ich es für mich selbst manifestieren wollte.

Wie so? Wegen meiner Trauer betete ich zu Engeln und dachte an das Unsichtbare. Ich hatte gerade ein Lied mit dem Titel „We Have to Be Friends“ geschrieben, und es fühlte sich an, als würde es von einer Stimme verwaltet, die nicht zu mir gehörte, und zwar auf eine Weise, die ich verstand. Ich fühlte mich zur Klarheit berufen. Und ich fing an, bei allem, was ich am Unsichtbaren liebte, bewusst zu sein: In meiner Karriere waren die Songs, die ich auf meinen Platten hatte, oft diejenigen, die zu mir kamen, wie „Doesn't Matter“ oder „Saint Claude“, kleine Wunder Ich kann es nicht vollständig erklären. Mit diesem Album habe ich mich ganz diesem Prozess hingegeben. Ich wollte es noch mehr zu einer Reibung im Gefüge von Raum und Zeit machen. Um tiefer zu suchen, weil ich sehr untröstlich war.

Überall auf dem Album sind Engel zu sehen, und Sie haben eine Website namens „Time of the Angels“. Was ist da los? In „Time of the Angels“ poste ich nur Gedichte und Bilder. Wir alle wissen, dass es eine solche Überlastung von allem gibt – wir führen ein wirklich aufgeregtes, mit Inhalten gesättigtes Leben. Ich wollte einen Raum der Kontemplation und der offenen Herzen schaffen, in dem jemand der Kunst einfach begegnen kann. Ich versuche, Wege zu finden, online zu sein, und hinterlasse hier und da kleine Anstöße.

Für mich ist es mehr als ein Album, es ist eine Zusammenfassung der Entscheidungen, die ich in meinem Leben getroffen habe. Ich habe meine Energie auf Musik verlagert, um tiefere Fragen zu hinterfragen. Ich habe mich den Dingen hingegeben, die ich schrieb, ohne sie vollständig zu verstehen, um meine künstlerische Arbeit zu präzisieren. Ich bete jeden Tag zu Engeln; Es ist ein allumfassender Prozess, und die Platte ist eine Widerspiegelung davon. Es hat auch meine Musik verändert. Ich wurde harmonisch an neue Orte entführt. Ich habe alles in einem Take gesungen. Wenn es in 20 Minuten geschrieben ist, ist das Überdenken vorbei.

Du hast einige dieser Songs in 20 Minuten geschrieben? Ja. Ich schreibe selten zuerst Texte; Ich arbeite an der Produktion. Ich schalte einfach das Mikrofon ein und starte die Pferde. In dieser Praxis steckt Hingabe, die mein Leben durchdringt – ich begann daran zu arbeiten, ein besserer Mensch zu werden, damit die Musik mit etwas Größerem in Resonanz treten kann. Und ich habe mehr Vertrauen in meine Praxis. Ich habe nicht nur versucht, Lieder zu schreiben. Ich versuchte etwas zu verstehen und wartete auf Visionen. Ich habe viel über Nicht-Künstler nachgedacht, die von etwas Unsichtbarem getroffen werden und dazu bewegt werden, Kunst zu schaffen. Während ich die Lieder schrieb, befand ich mich fast die ganze Zeit in einem Zustand der Selbsthypnose. Ich bin sehr früh aufgestanden und habe geschrieben. Und den Rest des Tages betete und spazierte ich stundenlang in LA und schrieb für mich alleine Gedichte, für niemanden.

Gibt es eine religiöse Dimension, wenn Sie „Beten“ sagen? Zu wem oder was beten Sie? Ich bete für die spirituelle Dimension meiner Arbeit und meines Lebens. Religion ist so interessant und tragisch, weil sie eine Sprache der Macht ist, die dazu dient, Regeln aufzustellen. Für mich ist Spiritualität nicht das, worum es geht. Aber ich liebe auf jeden Fall die Form des Betens als eine Möglichkeit, an Energie zu glauben, sie wahrzunehmen und zu beobachten. Ich begann mich für die Untersuchung zu interessieren, wie Musik eine Wiege für die Gefühle aller Menschen sein kann. Tatsächlich begann ich intensiv über Rock'n'Roll nachzudenken. Ich fing an, Led Zeppelin, von dem ich nicht viel wusste, wirklich intensiv zuzuhören. Ich dachte: Was für eine fantastische Katharsis für jemanden. Der Sänger ist ein Schamane, der wild spielt, eine Geschichte erzählt, die Wahrheit sagt.

Ich versuche immer darüber nachzudenken, wie relevant Künstler sind. Ruhm löscht die Funktion eines Künstlers und der Kunst aus, die für mich, vom Theater kommend, ein Ort ist, an dem jeder seine Gefühle verarbeiten kann. Es ist schwer, sich selbst weinen zu lassen. Manchmal brauche ich ein Musikstück – vielleicht eines, das 12 Minuten lang ist und bei dem ich Raum zum Entspannen habe –, um mir zu helfen. Deshalb dachte ich: Wenn ich ein Künstler sein möchte, der andere Menschen befreien kann, muss ich jemand sein, der sich der Musik hingibt und sieht, was passiert.

Sie sind dieses Jahr beim Coachella aufgetreten, nachdem Sie Ihr zweites Wochenende im Jahr 2019 aufgrund des plötzlichen Todes Ihrer Mutter abgesagt hatten. Wie war es, zu dieser Phase zurückzukehren? Ich wusste, dass ich zurückkommen musste. Irgendwann, zu Beginn meiner Reise nach dem Verlust meiner Mutter, war ich wirklich von Trauer betroffen. Ich dachte, ich könnte auf der Bühne nicht mehr von Nutzen sein. Ich hatte Angst, mein Herz ist tot. Ich war so taub. Aber jetzt bin ich bereit, zurückzukommen und zu teilen. Ich war auch mit einigen neuen Songs von dieser Platte bewaffnet, was mir hilft, meine Trauer zu festigen und zu verstehen. Ich hatte also das Gefühl, dass es an der Zeit war, es zu tun. Ich habe tatsächlich gebetet … [Lacht.] Die Leute werden fragen: „Betet er die ganze Zeit?“ Manchmal! Ich habe den Raum der Aufführung als einen Raum des Feierns beschrieben. Es fühlte sich also ganz besonders, intensiv und mineralisch in diesen großen Bergen an. Ich habe die großen Berge gebeten, mich zu beschützen, also fühlte ich mich sehr … [brüllt] Und die Leute waren sehr Hippie. Sie empfingen die Musik wie Pflanzen. [Chris beginnt spielerisch zu winken wie eine Palme im Wind.]

Wann hat sich das für Sie geändert – das Gefühl, Ihr Herz wäre tot, zu dem Gefühl, Sie hätten einem Publikum etwas zu geben? Kurz nachdem ich meine Mutter verloren hatte; Ich musste schnell zurück auf die Bühne. Ich hatte einen Auftritt, bei dem ich mich sehr taub fühlte. Aber in jeder schmerzhaften Sache steckt etwas, wofür man dankbar sein kann. Darüber reden wir in unserer Gesellschaft nicht gern – die Dinge müssen so glänzend und vollendet sein. Aber manche Dinge tun weh. Trauer kann hässlich und schrecklich sein. Und ich fühlte mich einsam. Aber ich habe diesen Schmerz angesprochen und ihn gefeiert: Mal sehen, was für ein Mann ich in dieser Trauer bin. Und es stellte sich heraus, dass ich ein wahrer Mann war. [Lacht.]

Was bedeutet das für Sie? Einfach um mich in dem zu entspannen, was ich immer gefühlt habe. Damit habe ich mein ganzes Leben lang gekämpft, bevor ich es akzeptieren konnte. Übrigens war meine Musik schon immer sehr vorausschauend. Das zweite Lied, das ich je geschrieben habe, war „iT“. Die Musik enthielt alles, was ich brauchte. Es war ein großer Moment in der Therapie, als mir klar wurde, dass die Bühne nicht nur eine Bühne war. Ich habe unterteilt. Es war sehr süß, mich selbst zu verstehen.

Was hat Sie von „iT“ bis zu diesem Moment in der Therapie geführt? Ich habe von Anfang an mit meinem Herzen gesungen. Mein Herz fing zuerst an zu singen, weil es mir gebrochen wurde, als ich anfing, Musik zu schreiben. Ich glaube, es hat einfach geschüttet. Mein Herz sang die Wahrheit. Was sich gut anfühlt. Ich fühle mich wie ein Mann von Wert. Ich rede zu viel darüber. Aber es ist auch so persönlich. Ich glaube, es lag daran, dass ich keine Tochter mehr sein musste. Das ist wirklich die Veränderung.

Das ist kraftvoll, diese Leistung loszulassen. Wir alle haben für jeden so viel zu tun – ich bin nicht der Einzige. Es ist kompliziert, weil ich meine Mutter auch so sehr geliebt habe. Wenn man Menschen verliert, wird man manchmal mehr man selbst, was schrecklich ist. Weil Sie nichts zu verlieren haben; Du hast sie verloren. Und je mehr du selbst wirst, desto mehr liebst du sie und verstehst sie besser. Das Gute an der Heilung Ihres Herzens ist, dass Sie wirklich lernen können, so viele Dinge zu lieben und zu vergeben.

Der Leistungsgedanke ist in Ihrer Arbeit tief verankert. Ich liebe es, wie Sie im Laufe Ihrer Karriere verschiedene Namen und Persönlichkeiten angenommen haben: Heloise, Christine and the Queens, Chris, Joseph, Redcar. Gibt es eine Persona oder einen bestimmten Namen, der mit diesem Datensatz verknüpft ist? Es ist sehr lustig, die Leute reden viel über die Leistung auf der Bühne in meiner Kunst – wenn ich wirklich das Gefühl habe, dass meine Bühne mein Strom ist, so klar wie Wasser. Meine vielen Namen sind nur ein Ausdruck meiner Vielfalt, die wir alle haben. Mein Leben außerhalb meiner Arbeit ist die Leistung. Der anstrengende Auftritt. Ich springe in Frankreich in ein Taxi, und sie nennen mich bei meinem Geburtsnamen, und das ist auslösend. Ich versuche, mehr ich selbst zu werden. Und „ich“ ist Redcar plus Chris plus Christine und die Queens. Christine und die Königinnen sind eigentlich der Mechanismus meiner Fantasie, der mich rettet. Einen Shakespeare-ähnlichen Weg finden, die Wahrheit zu sagen, wie in Angels in America. Ich bin schon immer mit vielen Namen aufgeblüht. Meine Realität besteht jetzt aus all diesen Namen in einem. Aber ich liebe es, dass die Leute mich „Rot“ nennen. Und mir ist bewusst, dass es irgendwie anstrengend ist. Aber so viele Rapper können sich mit so vielen Facetten abwechseln. Warum kann ich nicht fünf oder mehr Karten in meinem Spiel haben? [Lacht.] Oder mehr!

Ich glaube nicht, dass es anstrengend ist. Es erinnert mich wieder an Angels in Amerika, die Idee, sich zu verwandeln und die Haut abzuwerfen.Ja. Und jeder Schauspieler spielt mehrere Rollen. Es fühlt sich an, als ob meine vielen Namen meinen Charakter nur vertiefen.

Ihr letztes Album war fast ausschließlich auf Französisch. Dieses ist fast ausschließlich auf Englisch. Sie haben im Laufe Ihrer Arbeit hin und her getauscht. Was bedeuten Ihnen die einzelnen Sprachen künstlerisch? Diese Platte wurde in Amerika aufgenommen. Also habe ich mich in dem Stadium, in dem ich mich befand, dem hingegeben, was ich in Amerika sein konnte, nämlich mehr ich selbst. Manchmal muss man dorthin gehen, wo niemand einen kennt, um einen anderen Namen zu haben. Ich fing an, meine Pronomen zu verwenden. Ich habe das Gefühl, dass Englisch für mich auch ein Raum ist, in dem ich mich weiter von meiner Vergangenheit entfernt erforschen kann. Die französische Sprache ist für mich geladen. Es ist eine Muttersprache. Es ist schön, aber kompliziert. Englisch eröffnet mir neue Möglichkeiten, ohne meine Poesie zu verlieren. Ich habe das gesamte Album wahrscheinlich auf Englisch geschrieben, weil ich mich wohler fühlte, wenn ich auf Englisch wütete. Und ich habe Redcar als Brief an Frankreich geschrieben; Es war eine Zusammenfassung meiner Forschungen auf Französisch für das französische Volk. Aber es wurde natürlich missverstanden. Ich scherze immer darüber, dass ich in Frankreich eine experimentelle französische Platte aus den 80ern gemacht habe. Sie neigen dazu, zuerst zu züchtigen und dann zu umarmen. [Lacht.] Ich sage immer: „Redcar 2026.“

Wie wurde Redcar zu seiner Zeit nicht verstanden? Oh ja. Ich habe mit einem sehr rauen Klang gearbeitet, wie eine schmutzige Kathedrale. Und ich spreche davon, tatsächlich ein Ritter zu sein. Es war gewagt, wegen des Dandytums, gewagt zu sein. Ich meine, ich habe es geliebt, Redcar zu machen. Ich habe es als Theaterstück geliebt. Es waren nur drei Auftrittsabende, und ich wollte, dass die Platte und die Auftritte wie ein von Jodoroswky durchdrungenes Setup wirken, bei dem ich mich wie ein Schlüssel in ein Schloss einstecke, um einfach zu verstehen, warum ich diese Platte geschrieben habe. Es war äußerst experimentell, roh, aber voller Halluzinationen. Funken aus dem Jenseits. Zum Beispiel: Was genau haben wir genommen?

Außerdem brach damals mein Körper zusammen. Bei den Generalproben habe ich mein Bein in zwei Hälften gefaltet. Es war wie Terry Gilliams Film über die Eseljagd. Voller verrückter Fantasie und ich hatte das Gefühl, ich müsste mich beweisen. Zum Beispiel: „Okay, mein Bein ist gebrochen, ich mache Redcar hinkend!“ Mein Team meinte: „Kannst du aufhören?!“ Ich sagte: „Nein! Das ist Redcar. Redcar ist ein Hinker!“ [Lacht] Sie sagten: „Oh mein Gott.“

Es gibt auch ein Element des Horrors in Redcar. Das Video zu „Le Chanson de Chevalier“ ist abgefahren. Ich weiß. [Grinst.] Aber es ist ein Liebeslied! Es ist das schreckliche Territorium mancher Liebesgeschichten. Es ist sehr Kubrick. Ich habe viel über die Akribie des Wahnsinns nachgedacht. Eingedämmter Wahnsinn.

Wie die Charaktervideos, die Sie im Zusammenhang mit der Platte auf Instagram und TikTok gepostet haben. Sie lesen sich für mich ein wenig Lynch-mäßig, ein wenig Andy-Kaufman-artig. Oh ja. Ich liebe Andy Kaufman so sehr. In ihm steckt eine sublimierte Atmosphäre einer griechischen Tragödie, die für mich sehr kathartisch ist. Wie Prior in Angels in America kämpfte er schließlich alleine. Meine sanfte Seele ist von seiner gesamten Laufbahn fasziniert.

Diese Videos wurden in Frankreich sehr missverstanden. Die Leute sagten: „Er ist verrückt.“ Ich dachte mir: „Die Antwort ist wahrscheinlich ja, aber spielt das in diesem Stadium wirklich eine Rolle?“ Die Leute machten sich große Sorgen um mich und ich dachte: „Das ist Theater!“ Irgendwann fühlte ich mich jedoch geschmeichelt: Sie halten mich wirklich für so verrückt! Ich geriet in Versuchung: „Vielleicht sollte ich nichts sagen … Ich wollte das Geheimnis wieder aufleben lassen.“ Ich kann nicht einmal einen Witz machen! Ich habe viel Humor in meinem Leben, aber es ist auch ein äußerst starker Bewältigungsmechanismus. Manchmal denke ich, ich sollte weniger scherzen. Für mich ist es eine Möglichkeit, höflich mit den Widrigkeiten des Lebens umzugehen.

Ich denke, Sie haben eine gute Balance gefunden. Der Wahnsinn war der Punkt und der Witz. Danke schön! Manche Leute verstehen es. Du bist im Jahr 2026, deshalb. Eigentlich war Redcar „Paranoia“. Ich denke, die Platte, über die wir reden, ist „Angels“. Ich vermute, dass „True Love“ noch geschrieben werden muss.

Bedeutet das, dass das neue Album nicht wirklich alle drei Themen umfasst, die Sie im Titel auflisten – dass die Themen tatsächlich nach Redcar, diesem Album und einem kommenden dritten Album aufgeschlüsselt sind? Sogar ich habe das etwas spät verstanden. Oh, Redcar klingt nach Paranoia. In diesem Album steht ein Engel im Mittelpunkt, und von da an explodierte es. Es klingt, als wären sie von Engeln besessen. Ich fühlte mich von der Musik mitgerissen wie noch nie zuvor. Es hat mich wirklich drastisch verändert.

Wie haben dich deine bisherigen Platten verändert? Chaleur humaine ist meine Einführung in die Musik, das Destillat meiner Arbeit als Autor und Produzent. Es war der Beginn des Gesprächs zwischen mir und der Branche. Ich erinnere mich an das Weinen im Studio, an die Spannung zwischen dem Musiker, der ich werden wollte, und der Art und Weise, wie die Dinge gemacht werden. Aber ich bin ziemlich stolz auf diese Platte. Chris, ich erinnere mich an viel Kraft. Ich war glücklich, verliebt, liebte gut. Ich fühlte mich lebendig. Ich habe viel über Madonna nachgedacht und darüber, was sie tat, um den männlichen Blick mit diesem freudigen Gefühl der Lust abzulenken. Meine Reise in die Produktion wurde intensiver; Ich möchte bald lernen können, wie man mixt, um selbstständiger zu sein.

Die Art und Weise, wie mich diese Platte verändert hat, ist mir ein wenig schleierhaft. Ich habe die Platte alleine in einem Spukhaus in Los Feliz geschrieben. Und ich habe mich dem ergeben. Ich liebte es. Und ich vermutete, dass meine Mutter mich irgendwie segnete, weil das Gespräch mit ihr unaufhörlich dauerte.

Hatten Sie Geistererlebnisse? Ich habe Einstein gesehen! [Lacht.] Er hat mir alles erklärt. Zeit ist nicht real und real ist falsch! Nein, es fühlte sich einfach … nicht leer an. Schatten in meinem Augenwinkel. Ich dachte nur „Hallo …?“ Ich war sehr respektvoll, weil ich meine Reise gerade erst begonnen hatte. Ich sagte: „Ich würde am liebsten noch nicht sterben. Ich habe gerade erst mit diesem Stück begonnen. Danke für deine Hilfe und bring mich am Ende nicht um. Ich bin mit dieser Platte auf Tour!“

Reden wir über Madonna. Du hast dich 2015 zum ersten Mal getroffen, als sie dich während ihrer Rebel Hearts-Tour auf die Bühne zog, dich beugte und verprügelte, dir eine Banane reichte, dich „Christina“ nannte und sagte, dass sie deine Arbeit liebe. Wussten Sie im Voraus, dass das alles passieren würde? Ja, ihr Choreograf schrieb mir eine SMS: „Hey, möchtest du auf der Bühne erscheinen?“ Ich habe das Gefühl, dass sie mich ein wenig auf die Probe gestellt hat. Sie ist wirklich eine Domina. Als ich sie traf, habe ich mich einfach daran gehalten und respektiert: „Du kannst mich Christina nennen. Hoffentlich siehst du mich wieder, und vielleicht nennst du mich dieses Mal nicht Christina.“ [Lacht.] Es ist verspielt. Das Lustige ist, dass ich durch einen Tänzer, der mit ihr auf Tour war, wieder auf sie gestoßen bin; Madonna ist eine Legende in der Tanzwelt und ich arbeite so viel mit Tänzern. Und Chris war so begeistert von ihrem Witz – sie hat einen starken Witz und eine starke Peitsche!

Wie kam es dazu, dass Sie sie für dieses neue Album gewinnen konnten, und wer ist diese Big-Eye-Figur, die sie für Sie spielt? In Zusammenarbeit mit Mike Dean haben wir schließlich ein Gedicht verfasst, das von einer dieser künstlichen, computergenerierten Stimmen auf YouTube geäußert wurde. Ich meinte: „Das ist unheimlich, aber es klingt wie Madonna. Ich frage mich, ob die Stimme aus Trostgründen an eine so ikonische Stimme angelehnt war.“ Also begann ich über einen ambivalenten Charakter nachzudenken, der ein allumfassendes Auge hat. Ein bisschen wie im Lied „O Superman“ von Laurie Anderson, wo man nicht weiß, was die Stimme ist – ist es die allwissende Kraft der Liebe? Ist es am Ende nur ein Computer?

Und ich dachte, Madonna könnte auf dieser Platte tatsächlich eine Broadway-Figur spielen. Sie ist so eine fantastische Schauspielerin. Also nahm Mike das Telefon und rief sie an. Ich dachte: „Ahh, ich bin noch nicht ganz am Ziel!“ Aber ich musste in ein paar Sekunden fertig sein, also erklärte ich es und sie sagte: „Du bist verrückt. Ich werde es tun.“

Hast du sie jemals wieder persönlich gesehen? Wir haben zu Abend gegessen. Sie ist so ein erstaunliches Wesen. Ich sehe sie als Reinkarnation eines britischen Dandys, eines sehr kultivierten Geistes. Sie hat so die Kontrolle. Es muss anstrengend sein. Aber sie ist auch so stark.

Worüber hast du gesprochen? Leben. Kunst. Schmerz. Jesus. Popmusik. Fotografische Gemälde. Das Jenseits. Engel. Freundschaften. Körperschmerz. Geistesstärke. Echte Scheiße. Ich dachte: „Verdammt! Du bist liebenswert!“ Manchmal bitte ich sie um Schutz. Und sie schickt immer etwas Freundliches zurück.

Du schickst ihr diese Bitte per SMS? Ähhh, ja. Vielleicht wird sie es hassen, wenn ich das sage.

Letztes Jahr haben Sie in einem Artikel über die Frustrationen gesprochen, die Sie mit Ihrem Plattenlabel hatten, insbesondere darüber, dass es Sie in Bezug auf den Zeitpunkt und die Art und Weise, wie Ihre Musik veröffentlicht werden sollte, irgendwie behinderte. Haben Sie das gelöst und wie? Durch Dialog. Langweilig! [Lacht.] Auch in der Nähe von Redcar verspürte ich einen starken Juckreiz. Ich habe eine so kathartische Beziehung zur Bühne, und wie andere Künstler war ich mit Lockdown und allem jahrelang nicht in meinem Element. Ich wollte bei der Entstehung meiner Musik spontaner vorgehen. Aber diesen Leuten liegt die Musik am Herzen und sie denken, dass es besser ist, sie auf eine bestimmte Art und Weise zu machen. Manchmal hat man als Künstler aber auch ein Bauchgefühl. Im Idealfall streitet man nicht und arbeitet zusammen. Manchmal ist die Kunst etwas blockierter, weil man so eifrig ist, aber man hat nicht die volle Bandbreite, weil ich nicht völlig unabhängig bin.

Aber es wurde nach den drei Redcar-Shows gelöst. Ich bin von Anfang an beim gleichen Plattenlabel unter Vertrag und bin irgendwie ein treuer Typ. Wir hatten Höhen und Tiefen, aber im Großen und Ganzen mache ich die Musik, die ich will. Es ist ein fortlaufender Prozess, aber es ist immer ein Gespräch – Sie müssen die schwere Last auf sich nehmen, die Absicht zu schützen. Gott weiß, es ist eine schwierige Zeit in der Branche, und manchmal gerate ich einfach in Panik. Aber ich akzeptiere die Tatsache, dass ich mich mehr dafür einsetzen muss, wenn ich die Musik machen will, die ich will. Gehen Sie in ein Büro und ziehen Sie die Krawatte an und sagen Sie: „Hören Sie! Ich persönlich habe das Gefühl, dass wir sie ablegen müssen … morgen!“ [Lacht.] Ich denke darüber nach, immer mehr Musik zu veröffentlichen. Ich möchte weniger Lücken dazwischen, wenn ich darf. Weil die Leute beim Label für mich stimmen können, um den Betrag zu reduzieren.

Gewinnen Sie diese Argumente normalerweise? Ich habe eine lange Beziehung zu ihnen, daher wird es manchmal familiär. Ich habe das Gefühl, dass es jetzt in Ordnung ist. Ich denke, die große Geste, meine Aufregung – sie respektieren sie am Ende. Sie sind ein französisches Indie-Label und sind immer noch von den Gefühlen rund um ein Werk fasziniert. Aber der Markt ist etwas härter. Als ich mit Redcar ankam, wusste ich, dass es schwierig und nicht radiotauglich sein würde. Aber ich bin besessen davon, die Werke eines Künstlers im Laufe der Zeit und mit seinem Erbe zu durchstöbern. Ich behalte das größere Rätsel im Hinterkopf.

Fühlen Sie sich hier radiofreundlicher? Denken Sie überhaupt darüber nach? Ich fing an, nicht mehr darüber nachzudenken. Ich habe das Gefühl, wann immer ich es tat, es hat mich einfach umgehauen. Ich denke, wir werden sehen! Das ist auch das Spannende. Das kann man nicht meistern. Sie sollten also einfach Ihr Bestes und Rohstes geben. Dieser ist sehr roh.

Sie haben sich immer gegen die Korporatisierung der queeren Identität ausgesprochen, gegen die Idee, dass Sichtbarkeit gleichbedeutend mit Fortschritt ist, und Sie haben auch darüber gesprochen, dass sich Kunst gefährlich anfühlen muss – dass Sicherheit und Hochglanz der Tod der Kunst und insbesondere der queeren Kunst sind. Haben Sie über diese Dinge nachgedacht, als Sie diese Platte aufgenommen haben? Nicht wirklich. Dieses Mal wollte ich überhaupt nicht über den Metatext von Queerness und Gender nachdenken. Ich glaube, ich bin in dieser Hinsicht ziemlich pessimistisch. Mittlerweile ist es völlig normal, dass sich alle für den Pride Month über Regenbogen-T-Shirts freuen, während gleichzeitig Menschen getötet und Gesetze gegen Ungleichheit erlassen werden. Als ich noch sehr jung war, hatte ich immer den Verdacht, wenn sie mit leuchtenden Augen diese Fragen stellten: „Oh, fühlst du dich queer?“ Auf eine Weise glänzen, die sich ungesund anfühlte – nicht aus Neugier, sondern aus Fetischismus. Ich fühlte mich schon früh so gefangen. Aber das Schreiben dieser Platte war einfach ein absolutes Musikerlebnis. Ein ungeschönter Moment. In meinem Leben nach dieser Platte wurde mir klarer, dass ich als jemand existieren möchte, der sich nicht an dieses System hält.

Als ich mit dem neuen Wissen darüber, wer ich bin, in die Branche zurückkehrte und zum Ausdruck brachte, wer ich bin, hatte ich Angst, dass ich wieder einmal von der großen Maschine gefressen werden könnte. Es ist immer noch eine Ware. Wir werden immer noch als „queere Künstler“ eingestuft, was nichts bedeutet. Weil Kunst zutiefst queer ist. Es ist eine menschliche Entscheidung, ein freier Wille, der die Realität verzerrt. Queer ist der Akt der Verzerrung dessen, was einengt. Es sollte mehr als Macht denn als Staat gefeiert werden. Ich weiß nicht, ob ich queer bin, aber einige meiner Gesten sind zutiefst queer.

Es fühlt sich immer mehr wie ein Betrug an, das Gefühl zu haben, ich müsste glücklich sein, weil ich auf einer queeren Playlist ausgewählt werde oder was auch immer. Das tatsächliche Leben und die Gesellschaft verändern sich nicht genug. In den Vereinigten Staaten gibt es einen Rückschritt. In Frankreich ist es noch nicht einmal eine Frage der Transgender-Rechte. Mein bester Weg als Trans-Person besteht darin, weniger über den Zustand zu sprechen, in dem ich meinen Alltag lebe, und mehr ein Mann der Praxis zu sein. Vom Tun. Wie SOPHIE, die die moderne Produktion veränderte, und Gott sei Dank machte auch sie ihre Kunst als extremen Ausdruck dessen, was sie nicht immer mit Worten erklären konnte. Dieser Zustand der Transzendenz – wir können ihn wirklich alle erreichen. Nur weil Sie in einem bestimmten Körper geboren sind, heißt das nicht, dass Ihre Seele nicht in verschiedenen Lichtern erstrahlen kann. Jeder hat sein eigenes Gedicht. Wir sind so unterschiedlich. Warum sollten wir das Gedicht im Hals töten?

Es ist erfrischend zu hören, wie Sie auf diese Weise darüber sprechen. Danke schön. Ich habe immer mehr das Gefühl, dass ich in Amerika leben sollte.

Geh zurück in dein Spukhaus! Ja! Es hat mich gerufen.

Dieses Interview wurde bearbeitet und gekürzt