Das Verbrechen

Dec 17, 2023

Hallo! Ich bin Mark Olsen. Willkommen zu einer weiteren Ausgabe Ihres regulären Reiseführers in eine Welt nur guter Filme.

Diese Woche wurde Vidiots an seinem neuen Standort in Eagle Rock wiedereröffnet. Mit einem Theater und einer Videothek scheint der Veranstaltungsort eine wichtige Ergänzung der lokalen Filmszene zu sein. Ich habe hier alles darüber geschrieben.

Abel Ferrara in LA Die American Cinematheque eröffnet heute Abend eine 17 Filme umfassende Retrospektive des einzigartigen Filmemachers Abel Ferrara mit einem Doppelfeature seiner frühen Werke „Ms .45“ und „The Driller Killer“ sowie einer Live-Musik für „Ms .45“. gespielt von Joe Delia. Zwischen den Filmen wird es eine Frage-und-Antwort-Runde zu Ferrara geben. Die Serie umfasst außerdem einen Live-Score für „The Addiction“ sowie einen Auftritt von Ferraras Band Flyz. Während das in der Tat seltene Leckerbissen sind, könnte der eigentliche Höhepunkt der Serie der Doppelfilm „Bad Lieutenant“ und „Dangerous Game“, der nur für echte Verrückte ist, sein, ein Destillat von Ferraras kraftvollem Konfrontationsstil mit dem Regisseur vom Feinsten zugegen. Weitere Titel der Reihe sind „King of New York“, „Go Go Tales“ und Ferraras neuestes Werk „Padre Pio“.

Konzertfilme in der Akademie. Mit der Reihe „Sommer der Musik: Konzertfilme 1959–2020“ werden die Tonanlagen in den Theatern der Akademiemuseen auf die Probe gestellt. Jeder Titel ist sehenswert (insbesondere mit dem dröhnenden Soundsystem des David Geffen Theaters des Museums), insbesondere „Homecoming: A Film By Beyoncé“, „Sign O' The Times“, „Depeche Mode 101“ und „The Cure in Orange“. , „Soul Power“, „Amazing Grace“, „The Last Waltz“, „Songs for Drella“ und „The Beatles: Get Back – The Rooftop Concert“.

Koreanische Regisseurinnen. Das Academy Museum hat außerdem „A New Wave of K-Cinema: Korean Women Directors“ herausgebracht, einen zehn Filme umfassenden Blick darauf, wie zeitgenössische Filmemacherinnen auf Fragen der Geschlechter- und Klassenpolitik, häuslicher Gewalt und der Bedingungen des modernen Lebens reagieren. Zu den Titeln gehören „Little Forest“, „Lucky Chan-sil“, „Take Care of My Cat“ und „Paju“. Zu den geplanten Gästen der Serie zählen Regisseur Yim Soon-rye, Regisseur Kim Cho-hee, Regisseur Jung July und Schauspieler Kim Si-eun.

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„Die Nacht des 12.“ kündigt gleich zu Beginn mit einer Titelkarte an, dass das zentrale Verbrechen unaufgeklärt bleiben wird, und ist kein typisches Polizeiverfahren. Der von Dominik Moll mitgeschriebene Film gewann sechs Preise bei den französischen César Awards, darunter den besten Film und die beste Regie, für seine Auseinandersetzung mit dem schockierenden Mord an einer jungen Frau namens Clara (Lula Cotton Frapier) in einer Kleinstadt. Der Film ist jetzt im Kino.

Für The Times schrieb Justin Chang: „Selbst der erfahrene Krimi-Fan wird hier nicht nur an das Trauma des Mordes erinnert, sondern auch an seine invasive, zerstörerische Kraft, die Art und Weise, wie er selbst flüchtige Geheimnisse ans Licht bringt und die Polizei in jemanden verwandelt.“ professionelle Wäscheständer für schmutzige Wäsche. Was aus diesem speziellen Fall hervorgeht, ist eine umfassende Studie über kollektive Frauenfeindlichkeit – die Art freischwebender Verachtung für Frauen, die sowohl in Claras kleiner Heimatstadt als auch in dieser Institution scheinbaren Rechts und Ordnung herrscht.“

Für die New York Times schrieb Nicolas Rapold: „Trotz aller besten Absichten gelingt es manchmal einfach nicht, einen Fall zu knacken, und der Film (basierend auf einem Sachbuch von Pauline Guéna) vermeidet sachlich das Magische.“ Wir denken, dass wir jahrzehntelang von Macho-Kriminalitätsbekämpfungsfäden aufgesogen haben. Stattdessen geht es darum, mit langfristigen Frustrationen und Misserfolgen in Zeitlupe umzugehen – etwas, das leider eher einer gemeinsamen Erfahrung ähnelt als Heldentum, das den Tag rettet. "

Für rogerebert.com schrieb Sheila O'Malley: „Der Fall offenbart Risse im Leben der Männer, die an der Lösung arbeiten. Die Männer, die an Claras Fall arbeiten, wollen ihn lösen. Sie arbeiten rund um die Uhr. Aber ‚etwas stimmt nicht‘, ' Alles klar. Dass Yohan so lange braucht, um diese Worte laut auszusprechen – und dass er es dabei einer Frau gegenüber tut, die er gerade erst kennengelernt hat, und nicht seinen männlichen Kollegen – ist nicht Teil des Problems. Es ist das Problem ."

Für Vulture schrieb Bilge Ebiri: „Filme wie ‚Zodiac‘ verwenden ihre Geschichten über frei herumlaufende Serienmörder – jahrzehntelange ungelöste Morde, vermutlich von derselben Person –, um ein unentwickeltes, wachsendes Gefühl des Bösen zu suggerieren, das Institutionen und menschliche Beziehungen korrumpiert.“ „Die Nacht des Zwölften“ ist bescheidener. Es geht nur um einen Mord. Was ihn jedoch so erschreckend macht, ist die Art und Weise, wie er dieses Verbrechen und das Fehlen einer Lösung mit einer zutiefst erkrankten sozialen Dynamik in Verbindung bringt. Wie in anderen Filmen auch „Die Nacht des Zwölften“ endet mit der beunruhigenden Vorstellung, dass der Mörder jeder sein könnte, doch „Die Nacht des 12.“ wagt die Vermutung, dass der Mörder in gewisser Weise wir alle sind.“

Regisseurin Mary Harron, zu deren Filmen „American Psycho“, „The Notorious Bettie Page“ und die Manson-Familiengeschichte „Charlie Says“ gehören, hatte schon immer einen scharfen Blick für alternative Kultur. Sie kehrt mit „Dalíland“ zurück, einem Blick auf das spätere Leben des Künstlers Salvador Dalí. Dalí wird von Ben Kingsley (und in Rückblenden von Ezra Miller) gespielt und streift mit seiner Frau Gala (Barbara Sukowa) durch das New York der frühen 70er Jahre, gesehen durch die Augen eines jungen Assistenten, James (Christopher Briney). Der Film ist jetzt im Kino.

Für den Tribune News Service schrieb Katie Walsh: „Es ist leicht, das Gute an ‚Dalíland‘ als selbstverständlich zu betrachten, nämlich Gala und Dalí, gespielt von Sukowa und Kingsley. Sukowas Darstellung einer russischen Frau mit einer Vorliebe für Drama und die schönen Dinge.“ im Leben ist übertrieben, aber absolut präzise; Kingsley balanciert Herrschsucht und Verletzlichkeit wunderbar und mit einer Leichtigkeit, zu der nur er in der Lage zu sein scheint. In der wilden und verrückten Welt von Dalíland weiß man nie genau, was eine sorgfältig ausgearbeitete Darstellung einer Person ist und Was real ist, ist eine weitere Ebene der Vorstellungen von Ruhm und Identität in der Kunst, die etwas unerforscht bleibt.“

Jen Yamato sprach mit Briney, einem der Stars der Jugendserie „The Summer I Turned Pretty“, der in der Rolle des James sein Filmdebüt gibt. Über die Rolle in „Dalíland“ sagte Briney: „Ein Beobachter zu sein ist etwas, das ich als Mensch wirklich genieße – ein Beobachter zu sein, ein Konsument von Kunst. Der Filter zu sein, durch den die Leute Sir Ben und Dalí und seine sehen können.“ Welt und Marys Film war für mich das Aufregendste, der Versuch, den Weg in die Geschichte zu finden.“

Für die New York Times schrieb Manohla Dargis: „James ist auch nicht besonders interessant, und im Film kommt zu viel von ihm vor. Das ist nicht Brineys Schuld; er ist angenehm anzusehen, und er schafft seinen Übergang.“ Es ist nur so, dass Dalí und Gala, sobald sie sich für sie interessieren, sofort und zu Recht die einzigen Charaktere werden, mit denen man Zeit verbringen möchte. Zum einen sind sie unterhaltsam, da sie sich schon lange in Rollen eingelebt haben, die Spaß machen ihre öffentlichen Profile und ihre Öffentlichkeitsarbeit: Sie ist die geldgierige Domina, während er sich abwechselnd kauert, um ihre Aufmerksamkeit bettelt und sie in den Schatten stellt. Die Beziehung sorgt für Spannung und Mysterium, die die gut zusammenpassenden Kingsley und Sukowa durch Wasserspeiermasken und Schocks der Verletzlichkeit verkomplizieren.“

Für den New Yorker schrieb Richard Brody: „Der Film porträtiert Dalí nicht nur als Künstler, sondern als jemanden, der die Rolle eines Künstlers spielt – sich selbst spielt und seine eigene Figur in einen Star auf der Weltbühne verwandelt. Sein Auftritt ist kraftvoll und unerbittlich.“ , und der Film erfordert einen Schauspieler von vergleichbarer Statur und Begabung, um ihn auszufüllen: Ben Kingsley, der Dalí die Erhabenheit, die Grandiosität und die Grandiloquenz, die majestätische Selbstversunkenheit und die funkelnde Freude an der kalkulierten und selbstbewussten Wirksamkeit verleiht seiner eigenen Manieren und Manierismen. Kurz gesagt, Kingsley entfesselt die volle Kraft seiner Starpower mit seltener Wirkung. Er vermittelt überzeugend die alles verzehrende Aura einer echten Berühmtheit, die über die Leinwand hinausbricht, um die historischen Dimensionen seiner Figur zu verkörpern.“

„The Angry Black Girl and Her Monster“ wurde von Bomani J. Story in ihrem Spielfilmdebüt geschrieben und inszeniert und ist eine zeitgenössische Neuauflage von „Mary Shelleys Frankenstein“. Die frühreife, kluge Teenagerin Vicaria (Laya DeLeon Hayes) möchte den Tod heilen, nachdem ihre Mutter und ihr Bruder durch Gewalt verloren gegangen sind, und macht sich daher auf den Weg, ihren Bruder (Edem Atsu-Swanzy) wieder zum Leben zu erwecken. Der Film ist jetzt im Kino und auf VOD erhältlich.

Für The Times schrieb Sarah-Tai Black: „Während der Film seine Welt auf vielversprechende Weise inszeniert und Vicaria als willkommene Mittlerin in der Brutalität bietet, die allzu oft Schwarze aus der Arbeiterklasse (insbesondere schwarze Jungen und Mädchen) erlebt, sind wir enden viel zu nahe dort, wo wir angefangen haben: eine verwundete Gemeinschaft, die trauert und versucht, im Zuge des Massentodes der Schwarzen zu überleben. Es ist eine Geschichte, die so viel metamorphes und kathartisches Potenzial hat, so viel Freiheit, Vorstellungen vom Leben neu zu denken und Tod, sowie eine Gelegenheit, eine reparative und spannende Herangehensweise an beides zu präsentieren. Stattdessen begnügt sich „The Angry Black Girl and Her Monster“ mit einer Erzählweise in zwei Schritten vorwärts und einem Schritt zurück. Während die Fähigkeit dazu Obwohl das Leben (den meisten) derjenigen zurückgegeben wird, die Vicaria am Herzen liegen, ist es, zumindest für mich, keine Rettung für die Grausamkeit auf der Leinwand, von der ein solcher Durchbruch abhing.

Für die New York Times schrieb Kelli Weston: „Passend zu dieser Geschichte sollte sein erster Spielfilm eine Interpretation von Mary Shelleys Roman ‚Frankenstein‘ aus dem Jahr 1818 sein, einem bekanntermaßen fließenden Text, der klassische Genre-Unterteilungen verweigert: Er galt auf einmal als Science-Fiction, Gothic-Horror und Frauenliteratur. Aber Shelleys Monster besaß schon immer eine rassistische Dimension, mit der sich nur wenige Wissenschaftler auseinanderzusetzen wagten. … Das ist also der Kampf des Kinos, das sich in irgendeiner materiellen Weise mit den sozialen Bedingungen des Lebens der Schwarzen beschäftigt es muss auch für den Massentod verantwortlich sein. Aber das Grauen im schwarzen Körper zu beheben, ist eine knifflige Angelegenheit, und „The Angry Black Girl“ stolpert auf die gleiche Weise wie sein Vorfahre „Candyman“ (1992).“